Ať už jste procházeli stoupající rotunou v Guggenheimově muzeu a přemýšleli jste, co to znamená dostat umění na (zaoblené) zdi nebo uvažujete o kariéře v umění, už se nemusíte dívat dál.
Došli jsme k Nancy Spectorovi, zástupci ředitele a Jennifer a Davidovi Stockmanovi, hlavnímu kurátorovi v Guggenheimově muzeu, abychom slyšeli od vůdce v oboru a abychom získali pohled na vyvažovací akt, který musí být u kormidla jednoho z nejprestižnějších na světě muzea moderního umění. Spector velkoryse sdílel její vhled do umění v digitálním věku, začínal v oboru jako stážista (poznámka autora: i já) a první umělecké dílo, které na ni mělo dopad.
Můžete popsat, co to znamená být náměstkem ředitele a hlavním kurátorem světového muzea umění?
Zkrátka řečeno, řekl bych, že se jedná o intenzivní vyrovnávací akt. Jako zástupce ředitele úzce spolupracující s režisérem Richardem Armstrongem jsem zodpovědný za vývoj obsahu v Guggenheimu v New Yorku, ale také za naše přidružené společnosti v Bilbau v Benátkách a v Abú Dhabí (které se v současné době vyvíjí). Mám na mysli instituci v globálním kontextu a co to znamená pro naše programování, naši sbírku a naše zapojení do kultur po celém světě.
Pak existuje podrobnější řízení našeho výstavního kalendáře, práce s jednotlivými kurátory na co nejlepší realizaci jejich programů, zajištění toho, že zůstaneme v misi, produkujeme nové stipendium a inovace v popředí. Všichni jsme fundraiseri v muzeu, takže se hodně času věnuji také pěstování patronů, pomáhání při identifikaci jednotlivých dárců a sponzorů a formulaci iniciativ, které by mohly přilákat podporu. Jako kurátor mám také vlastní výstavní projekty, které musím zkoumat a produkovat, což bylo vždy jádrem mé praxe.
Jak vypadá typický den ve vaší kanceláři?
Nemyslím si, že někdy budu mít „typický“ den na citování. Mohu být na setkáních s ostatními kurátory, vedoucími oddělení, členy představenstva nebo hosty. Témata sahají od diskusí o programování, kalendáře a recenze rozpočtu, strategické plánování, příprava akvizice, politika správy kolekcí a recenze instalace, abychom jmenovali alespoň některé. Ale mohu být také v knihovně nebo psát po většinu dne. Pak jsou zde návštěvy galerií a ateliérů, na které se snažím vyhradit čas.
Jak vyvažujete výzkumnou a výstavní část kurátora s administrativními povinnostmi provozování kulturní instituce; jak máš na sobě oba klobouky?
Snažím se blokovat čas na výzkum, čtení a psaní předem v mém kalendáři, abych měl dny bez schůzek. Ale abych byl upřímný, většina tvůrčí práce se provádí „po hodinách“, pokud už něco takového existuje.
Maurizio Cattelan: All, Solomon R. Guggenheim Museum, 4. listopadu 2011 - 22. ledna 2012. David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation
Mohl byste mluvit o kurátorských výstavách v budově Franka Lloyda Wrighta, o uměleckém prohlášení samo o sobě?
Excentrická architektura Guggenheimu nabízí jedno z nejslavnějších míst, kde můžete prohlížet umění. Je zřejmé, že jsem zkreslený, protože jsem tam pracoval tolik let, ale kombinace toho, že jsem schopen vidět umělecké dílo v obou intimních mórách - stojící přímo před ním v jedné z našich zátok - a prohlížet si ho přes rozlohu rotunda, je jedinečný zážitek. Jako kurátor musíte při plánování instalace vzít v úvahu tuto prostorovou realitu. Všichni máme sklon myslet lineárně, jak jedna věc čte vedle druhé, ale v Guggenheimu musíte také přemýšlet o tom, jak bude práce čtena svisle, jak se hromadí, když je vidět s tím, co je nad a pod ní na rampách. .
Moje nejpamátnější výstavní projekty byly ty, které zahrnují současné umělce, kteří reagují na budovu úžasnými a bezprecedentními způsoby. Matthew Barney začlenil budovu jako postavu do svého filmu Cremaster 3 ; tam natáčel celou vysněnou sekvenci, ve které upravil interiér. Toto záběry se pak doslova staly středobodem instalace zahrnující sochařství, video a fotografii, která shrnula celý pětdílný cyklus Cremaster. Pro výstavu, kterou jsem kurátorem s Tino Sehgalem, nechali jsme rotundu úplně prázdnou jako pozadí jeho konverzační práce, tento pokrok, při kterém se návštěvníci zapojili do rozhovorů se čtyřmi generacemi umělecky vyškolených „tlumočníků“, když procházeli po rampách. . A Maurizio Cattelan provokativním, sebepodceňujícím gestem pozastavil každé dílo, které kdy vytvořil ze světlíku muzea, ironickým komentářem k totalizující povaze retrospektivních výstav.
Jaké bylo vaše první zaměstnání v uměleckém světě?
Poté, co jsem získal magisterský titul, absolvoval jsem stáž v Guggenheimu, která se pro mě, naštěstí, stala skutečnou prací. Byl jsem najat jako kurátorský asistent a od té doby jsem byl v muzeu kromě krátkého stintu.
Jakou radu byste dali mladým lidem, kteří mají zájem o uměleckou kariéru?
Vždy doporučuji získat alespoň magisterský titul v oboru dějin umění nebo kulturní teorie. Je stále důležitější dělat stáže; v dnešní době budete téměř potřebovat stáže; ale praktická zkušenost je opravdu důležitá.
Kromě praktických a teoretických bych navrhl najít mentora, který by mohl pomoci orientovat se v různých sférách uměleckého světa. Existují různé cesty, pokud chcete pracovat v muzeu, galerii nebo aukční síni nebo založit svůj vlastní alternativní prostor nebo najít časopis.
Matthew Barney: The CREMASTER Cycle, Solomon R. Guggenheim Museum, 21. února 2002 - 11. června 2003. David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation
Myslíte si, že kurátorství může být vyučováno (v kontextu mnoha kurátorských postgraduálních škol)?
Měl jsem tradiční výcvik v dějinách umění a naučil jsem se kurátorsky pracovat, takže je pro mě těžké říci. Domnívám se, že cvičení formulace a komunikace výstavní práce může být učeno, ale instalační dovednosti a provedení vizí umělce lze vyladit pouze zkušenostmi.
Je to přísloví, že se New York za generaci tolik změnil z 57. ulice na Soho do Chelsea na kdekoli, kde jsme nyní s desítkami mezinárodních bienále a umění, které zažíváme online. Co si myslíte, že se změnilo k lepšímu? Co se změnilo k horšímu?
Skutečnost, že se umění stalo „životním stylem“, kdy se tolik bohatých lidí snaží shromáždit sbírky trofejí a umělecké veletrhy a stát se party destinací, nemůže být dobrá. Není dobré pro umělce, kteří jsou nuceni neustále vyrábět „produkt“, aby udrželi všechny tyto veletrhy, které poskytují zkreslené místo pro sledování jejich práce. Méně a méně lidí se dívá na výstavy uměleckých galerií, kde mohou představit soubor prací, které jsou konkrétním argumentem. Místo toho narazí na izolovaný kus v kabině na veletrhu. Tento zvýšený zájem se však promítá do vyšší návštěvnosti muzeí, což pomáhá podporovat neziskovou stránku rovnice.
Myslím si, že rozšíření naší digitální kultury nabízí pozitivní a slibnou změnu ve způsobu, jakým lidé vytvářejí, distribuují a konzumují vizuální kulturu. Nemusím nutně podporovat „internetové umění“, ale spíše to, jak umělci používají různé online platformy k oslovení nového publika. Například Guggenheim spolupracoval se společností Google před několika lety, aby zahájil program ocenění, který rozpoznává kreativní videa na YouTube. Byl to pro nás radikální experiment, ale věříme, že YouTube (a také Vimeo a nyní Vine) nabízí mladým nebo nově vznikajícím talentům nástroje k vytváření a distribuci práce způsobem, který dosud nebyl k dispozici. Je samozřejmé, že neexistuje žádný filtr, ale to je to, co jsme poskytli.
Matthew Barney: The CREMASTER Cycle, Solomon R. Guggenheim Museum, 21. února 2002 - 11. června 2003. David Heald © Solomon R. Guggenheim Foundation
Jaké je první umělecké dílo, které na vás mělo trvalý dopad?
Moji rodiče měli v našem obývacím pokoji faksimile kapající malby Jacksona Pollocka, takže jsem byl ve velmi malém věku vystaven abstrakci. Skutečným zlomem pro mě byla výstava Josepha Beuyse v Guggenheimu, kterou jsem viděl na vysoké škole, nevěděl jsem nic o umělci (nebo o současném umění obecně, protože jsem byl tancem a filozofií major). Instalace, která byla vypravěčská a fantastická, mě nějakým způsobem zasáhla a já jsem chtěl vědět víc.
Jaká je poslední výstava, která vás opravdu nadchla?
Je to kombinace nedávné retrospektivy Pierra Huygheho v Georges Pompidou Center a průzkumu Philippe Parrena v Palais de Tokyo, oba v Paříži. Obě představení oživila jejich prostředí pomocí zvuku, světla, času a vyprávění příběhů skutečně jedinečným způsobem. Pierre používal živé prvky - psa a kostýmované umělce - jako součást instalace. Byla to první výstava, se kterou jsem se setkal, která mě sledovala, když jsem ji sledovala.
